Otto Herbert Hajek

Otto Herbert Hajeks böhmische Heimat prägte sowohl sein ästhetisches Empfinden als auch die Themen seines Frühwerks. Die Landschaft des Böhmerwalds sowie das reiche Schnitzwerk und die Figurenvielfalt in den katholischen Kirchen klingen in seinem Bildprogramm der ausgehenden 1940er- und 1950er-Jahre nach. In den bildhauerischen Arbeiten und Holzschnitten finden sich neben christlichen Motiven vor allem organische, naturnahe Formen. Es entstanden zahlreiche Auftragsarbeiten für Kirchenausstattungen. Nach figurativen Anfängen wandte sich Hajek bereits in den 1950er-Jahren der Abstraktion zu und fand so Anschluss an die avantgardistischen Strömungen seiner Zeit. 

Im Frühwerk dominiert neben Holz und Stein vor allem Bronze als bevorzugtes Material. Das Handwerk des Bronzegusses lernte Hajek an der Akademie in Stuttgart; er fertigte nicht nur die Rohformen selbst, sondern eignete sich alle Schritte des Herstellungsprozesses an. 

Eine kurze Episode des Holzschnitts begleitete Hajeks bildhauerisches Schaffen. So mutet die »Christusträgerin 1« auf Papier wie eine Proportionsstudie für die spätere gleichnamige Bronzearbeit an. 

Schon früh versuchte Hajek zudem, Kunst und Alltagswelt zu verbinden. 1956 schuf er mit »Durchbrochene Fläche im Raum« die erste abstrakte Plastik im öffentlichen Raum in Stuttgart (Liederhalle).

Ab Mitte der 1950er-Jahre wandte sich Hajek dem Informel zu, einer Kunstrichtung, deren Vertreter:innen eine rational-konstruierende Arbeitsweise ablehnten und stattdessen den intuitiven und spontanen Umgang mit dem Material bevorzugten. Charakteristisch für Hajeks »Raumknoten« und »Raumschichtungen« ist das Zusammenspiel von gitterartigen Strukturen und organischen Formen. Die Plastiken schuf er mittels des Wachsausschmelzverfahrens. Dabei ummantelte er zum Beispiel Holzstäbe mit Wachs oder goss es in flüssiger Form auf den Boden, um die zufällig entstehenden Platten und Flächen in Bronze zu gießen. Diese frühen Werkgruppen stellen einen wichtigen Beitrag zur Bildhauerei des deutschen Informel dar, die auf die Auflösung des Massenvolumens der Plastik zugunsten ihrer Öffnung in den Raum zielte.

Hajek widmete sich Formfragen auch auf dem Papier: Seine Tuschezeichnungen variieren das Thema der »Raumknoten« und »Raumschichtungen« auf vielfältige Weise und ergründen das Verhältnis von geschlossener Form und Öffnung sowie von Fläche und Raum. Die »Briefe« leiteten eine neue Werkphase ein: In den mittel- und großformatigen Blättern korrespondieren flüchtig gesetzte kalligrafische Zeichen mit dichten Farbflächen. Hajek überzog das Papier mit farbigen, blockhaften Streifen, die die darunterliegenden Formen überlagern. In ihnen deuten sich die späteren »Farbwege« an, die zu einem zentralen Element in seinem Werk werden sollten.

Der Malerei wandte sich Hajek in den 1970er-Jahren zu. Die Gemälde spiegeln sein bildhauerisches Interesse an der Form, sie funktionieren selbst wie zweidimensionale Plastiken. Über rhythmisch angeordnete, geometrische Flächen in den Grundfarben ziehen sich seine »Farbwege« als Balken. Die von Hajek gewählten Rahmungen erinnern an bauliche Einfassungen und betonen so sein architektonisches Denken.

Mit der Malerei tauchte ein neues Element in Hajeks Arbeiten auf: Gold. Von den bis dahin genutzten Farben setzte es sich nicht nur durch seine Licht reflektierende Eigenschaft ab, sondern auch durch die Art des Auftrags. Hajek verwendete Transfergold in Form quadratischer Blättchen. Dies ermöglichte es ihm, eine Form von Räumlichkeit zu erzeugen, an der es ihm aus bildhauerischer Sicht in der Fläche mangelte. Der Auftrag erfolgte zum Schluss und konnte den Bildaufbau so noch einmal maßgeblich beeinflussen. Auch hier wirkte Hajeks böhmisch-katholische Prägung nach. Gold als edles Material, das in der christlichen Bildkultur eine zentrale Rolle spielt, brachte eine Feierlichkeit und Wertigkeit ein, die Hajeks nüchterne Bildkonstruktionen emotional auflud.

Für seine Plastiken nutzte Hajek häufig den Begriff »Zeichen«. Er sah sie als Stationen, die dem Menschen im Alltag begegnen, ihn zum Nachdenken anregen und das Bewusstsein für seine Umgebung schärfen. Hajek zielte dabei nicht auf ästhetische Gefälligkeit, auch setzte er kein Vorwissen beim Betrachtenden voraus. Sein Interesse war von einer demokratischen und sozialen Grundhaltung geleitet. Hajek ging es um den Dialog zwischen Kunst und Mensch.